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lunes, 1 de octubre de 2012

Jeff Koons


Jeff Koons, joven, normal y común y corriente, ganó el dinero que precisaba para sus primeras obras de arte trabajando en la bolsa, fue en los ochenta el superestrella absoluto del ajetreado mundo del arte. Comenzó colocando aspiradores completamente nuevos en vitrinas que parecían rigurosamente limpias y que estaban iluminadas por luces de neón. En 1985 hizo los dos "Equilibrium tanks", cajas llenas de agua como acuario, con balones de baloncesto flotando. Un año más tarde sorprendió al mercado del arte con figuras de acero inoxidable relucientes. En el culmen de su carrera en 1991, Jeff Koons se casó con la estrella porno italiana Cicciolina. De sus devaneos sexuales dejó testimonio, ya en 1989, en su ciclo "Made in Heaven" en gigantescas imágenes y esculturas reprodujo con todo lujo de detalles los actos sexuales.
Jeff Koons sigue siendo una estrella del espectáculo, pero también ocupa la atención del mundo del arte. Sus obras son un sutil mezcla de kitsch, modernidad y sexo: rompen tabúes, pero no para escandalizar, sino para revelar belleza en su provocación. De ese modo, Jeff Koons dio como ningún otro en el nervio de la generación de yuppies y nuevos ricos. Después de 1992 se hizo el silencio en torno a él; también fracasó su matrimonio con Cicciolina. Su último proyecto "Celebration" que consta de 20 grandes esculturas y cuadros inmensos, se presentó en el año 2000, en el Deutsche Guggenheim Berlin.



Celebration, 2002

martes, 18 de septiembre de 2012

Biografía de Pola Weiss



Pola Weiss nació en la ciudad de México el 3 de mayo de 1947, su padre, Leopoldo Weiss, era de le origen alsaciano y su madre, Emma Álvarez, mexicana. Aunque muchas veces Pola dijo que venía del planeta Venus y que era hija de sí misma. 
Estudió ciencias de la comunicación, cine e historia en la UNAM, su tesis de licenciatura en comunicación fue el primer trabajo de video que se tituló en esta universidad.  Fue su abuela materna, doña María, quien despertó en Pola el amor por las imágenes, ya que desde muy niña la llevó al cine cuando menos tres o cuatro veces por semana, también se sabe que desde muy pequeña ella misma se organizó representaciones y performances para su familia, vecinas y compañeras de la escuela. Además su padre, loco enamorado de ella, la fotografió, grabó y filmó tanto como pudo. De modo que con grandes esfuerzos y mucha dedicación Pola Weiss devino una loca narcisista imaginativa por propia voluntad.

A mediados de los años setenta viaja a Europa con una beca universitaria para realizar investigaciones sobre la televisión artística en la BBC de Londres, la VPRO de Holanda, la OFRATEME de París y la RAI de Italia, en esa época, en México ¿quién podía creer que la tele fuera arte o siquiera una cosa inteligente? 
En 1976, durante uno de sus viajes a Nueva York, entra en contacto con expertos en el videoarte, Allí presencia la exhibición de algunas obras de Nam June Paik, a quien se considera hoy día como uno de los grandes creadores del videoarte.

Ya para 1977, Pola Weiss se autodenomína "teleasta" y realiza su primera obra en audiovideografía "Flor cósmica" todo hecho, literalmente con sus propias manos, en la más absoluta independencia y autonomía. Contra lo que dice la leyenda: muy pronto fue reconocida por una selecta y apreciable minoría la importancia y profundidad de sis obras, tanto en audiovideografía como en performance, instalación, ambientación y todo lo demás que signifique desconstrucción del arte burgués. Así llegará a ver exhibidas en 1979 sus obras "Todavía estamos", "Cuilapan de Guerrero" y "Los muertos de Etla" en el Centre Pompidou de París.

Un elemento determinante en las obras audiovideográficas de Pola Weiss es precisamente el audio, sus usos de sonido y la música en la construcción del relato audiovisual. Siempre el resultado fue la expresión dialéctica del sonido y la figura visual, nunca empleó la banda sonora como un pleonasmo.

En el Encuentro Internacional de Videoarte en 1977 de la Ciudad de México, Froylán López Narváez escribe: "La lógica de este trabajo es la de una liberación personal presentada con un discurso icónico libérrimo, donde la música acompaña de verdad a las imágenes y éstas no se encuentran sólo a su cuidado. Y durante este encuentro conoce personalmente a Nam June Paik, quien la reconoce como una importante pionera en este tipo de arte e influye de modo sobresaliente en la estética de todas las creaciones de nuestra teleasta.
En 1983 junto con otras personas fundó el proyecto televisivo Videocosmos en el canal 9 de la televisión comercial, además de exponer su obra en Yugoslavia, Francia y Canadá. Ya desde 1982, Pola sostenía sin titubeos la teoría de que el videoarte es la superación dialéctica de la TV como caja idiota, pues constituye una propuesta ética y filosófica radical para los seres cuyo pensamiento es visual eléctrico. De esta forma también dirá poco después que el videoclip tipo MTV únicamente es una expresión de mediocridad creativa, pues allí todo lo rige el mercado del espectáculo. 

En el año 1988 su padre enferma de cáncer y comienza el declive emocional de Pola, Su último video se titula "Inertia", Leopoldo Weiss muere en la primavera de 1989. Es tal el golpe emocional en ella que no volverá a producir nada y solo unos cuantos días de después de llegar su cumpleaños número 43, el 6 de mayo de 1990, Pola Weiss realiza su tránsito por propia mano.

Pola Venusina

viernes, 7 de septiembre de 2012

Glosario de arte contemporáneo

Apropiation art: 
El apropiation art extrae objetos, imágenes y textos de su contextos cultural y los traslada, sin modificarlos a otro. De este modo adquieren un nuevo significado.

Arte autorrefere: 
Arte que se remite, exclusivamente a sus propiedades formales, por lo que rechaza cualquier carácter de reproducción.

Arte conceptual: 
El arte conceptual surge en los años sesenta y concede el papel predominante a la idea por la cual los ilustran o traducen. Frecuentemente, esta idea se presenta sólo con textos o anotaciones; la traducción concreta al objeto se considera como algo secundario e oncluso a veces se omite.

Arte contextual: 
El arte contextual critica el negocio del arte y sus instituciones: revela estructuras de poder y pregunta por la función política de los mecanismos de distribución y de las formas de exposición. Para exponer esa crítica se emplean diferentes medios de expresión artística: performance, instalación o arte de objetos.

Arte digital: 
Arte con los recursos que ofrecen los nuevos medios como ordenador o internet.

Arte interactivo: 
Obras de arte que cuentan con la influencia inmediata del observador; en la mayoría de los casos, esa influencia se facilita con la ayuda del ordenador. 

Arte minimal: 
Corriente artística de los años sesenta, que redujo las estructuras y los cuadros a formas básicas claras y que las puso en una relación concreta el espacio y con el observador.

Arte objeto: 
Forma parte de éste todas las obras de arte que integran materiales ya existentes o que constan completamente de éstos.

Assemblage: 
Cuadro tridimensional de diferentes materiales, en la mayoría de los casos tomados de la vida diaria.

Autonomía: 
Estado es entera independencia. Para el arte, la autonomía exime de la necesidad de subordinarse a otros fines ajenos al arte.

Body art: 
Arte que trata el cuerpo humano, haciéndolo objeto de performance, esculturas o trabajos en video.

Camp: 
Las personas o los objetos cuya imagen está exageradamente estilizada son camp. Su admiración desemboca en un culto por lo artificioso, irónico y al mismo tiempo cargado de emoción.

Catálogo razonado: 
Catálogo comentado de las obras de un artista.

Cibachrome: 
Copia en papel, en color, de una diapositiva; en la mayoría de los casos, de grandes dimensiones.

Código: 
Sistema de signos que sirve de base para la comunicación y para transmitir información. 

Corrección política: 
Postura comprometida, especialmente influyente en EUA que pretende elevar lod estándares morales de la vida pública. Exige sobre todo un trato justo con las minorías sociales (discriminación positiva).

C-print: 
Un colour-print es la copia en papel, en color, de un negativo fotográfico.

Crossover: 
Con el crossover se traspasan los límites que existen entre el arte y el arte popular (y entre las diferentes culturas) al tiempo que se incluye la música, el diseño, el folclore, etc. en el trabajo artístico. 

Cultura popular: 
La cultura popular se expresa en la difusión en masa de bienes de todos los ámbitos de la cultura: de la moda, la música, deporte, del cine, etc. A comienzos de los años sesenta, la cultura popular hizo su entrada en el mundo del arte de la mano del arte pop.

Deconstrucción: 
La deconstrucción es una forma de interpretación que considera una obra de arte no como una unidad, sino como un tejido abierto y complejo compuesto por los más diversos elementos formales y materiales. En la deconstrucción se develan esos elementos, sus funciones y sus contraposiciones.

Eclecticismo: 
El método usual en la postmodernidad, que se caracteriza por citar extensamente estilos (históricos) y obras de otros autores.

Entropía: 
Este concepto originario de la termodinámica significa en ésta la medida del desorden de un sistema. La completa entropía se habría alcanzado cuando el sistema se hubiera disuelto en el caos. Analógicamente, la entropía es la medida de la incertidumbre existente en un mensaje. En este caso, el punto final sería un rumor sin significado.

Environment: 
Un espacio interior o exterior, diseñado completamente por el artista, que integra al observador en el acontecimiento estético.

Estereotipo: 
Imagen o idea aceptada comúnmente por un grupo o sociedad.

Estructuralismo: 
El estructuralismo analiza sistemáticamente el significado de los signos. El objeto del estructuralismo considera e interpreta las lenguas y otras manifestaciones culturales como sistemas de signos.

Estudios culturales: 
Nueva corriente en las ciencias culturales angloamericanas dedicada al estudio del arte popular. Concede especial atención a la influencia de la raza de la pertenencia a una clase y del sexo de la persona sobre las expresiones culturales.

Fenomenología: 
Movimiento filosófico que estudia cómo aparece la realidad exterior del hombre.

Ficción: 
Una imagen o una historia es una ficción cuando se basa en la libre invención.

Fotofija: 
Fotograma de un filme traspasado a una foto.

Gender surfing: 
Un juego desconcertante con los papeles de los sexos, que tiene como objetivo superar sus límites. 

Happening: 
Acción artística en presencia de público, que suele integrarse en ella.

Heterogeneidad: 
Contraposición incompatible.

Híbrido: 
De distinta naturaleza, mezclado, no clasificable inequívocamente.

Iconografía: 
Lenguaje pictórico o formal, típico de un determinado contexto cultural.

Iconología:
Ciencia que interpreta una obra de arte basándose en su iconografía.

Instalación: 
Una obra de arte que integra el espacio de exposición como componente estética.

Manga: 
Historietas y películas de dibujos animados, la literatura popular más extendida en Japón, que se produce y consume en grandes cantidades en dicho país.

Momento mori: 
Acontecimiento u objeto que remite a la muerte.

Mixed media: 
Mezcla de diferentes medios, materiales y técnicas en la producción de una obra de arte.

Montaje: 
Ajuste de elementos o secuencias gráficas en fotografía, cine y video.

Múltiple: 
En los años sesenta se desarrolló una postura crítica respecto al concepto clásico de la obra de arte: en lugar de un único original se produjeron obras de arte con una tirada elevada, es decir, en forma de múltiples. De este modo se pretendía que el arte abandonara los museos y las galerías, a fin de que un mayor número de personas tuviera acceso a él.

Neo-geo: 
Tendencia en la pintura de los años ochenta, que opera de un modo extremadamente objetivo, con dibujos geométricos y composiciones de color.

New age: 
Movimiento esotérico que cree que en el comienzo de una nueva era. 

Op art: 
Movimiento artístico de los años sesenta; sus representantes experimentaron sobre el efecto visual de líneas, superficies y colores, componiendo dibujos que producen ilusiones ópticas. 

Performance:
Trabajo artístico que se presenta al público en forma de acción (teatral). Los primeros performance se celebraron en los años sesenta, en el seno del movimiento "Fluxus" que buscaba un concepto ampliad del arte. 

Photoshop: 
Programa de ordenador que permite transformar material gráfico.

Postestructuralismo: 
Mientras el estructuralismo considera un conjunto de datos com una estructura o sistema cerrado, el postestructuralismo piensa que los sistemas de signos son siempre dinámicos y abiertos al cambio.

Post human: 
Temática centrada en la influencia que ejercen sobre el cuerpo humano las nuevas tecnologías y la sociedad de los medios de comunicación.

Postmodernidad: 
A diferencia del proyecto moderno, la postmodernidad considera imposibles las grandes utopías. Acepta la realidad como una dimensión fragmentada y la identidad personal como una dimensión inestable, debido a una serie de factores culturales. La postmodernidad aboga por un juego irónico con la propia identidad y por una sociedad liberal.

Ready made: 
Es un objeto de uno común al que una mínima intervención del artista convierte en obra de arte. El concepto se remonta al artista Marcel Duchamp, quien presentó los primeros ready mades en 1913.

Realidad virtual: 
Mundo artificial creado en el ordenador. 

Representación: 
Imagen de una persona, de un objeto o de un estado que tan seductora consigue sustituir a la realidad.

Semántica: 
Estudio del significado de los signos lingüísticos.

Simulacro: 
Una ficción tan seductora que consigue sustituir a la realidad.

Transcendencia: 
En la filosofía y en la religión, la transcendencia es el concepto que declara lo que supera la percepción humana normal. En la experiencia extraordinaria de la transcendencia se traspasan los límites de la conciencia. 

Trash: 
Es la depreciación irónica de las normas estéticas y de la calidad.

Urbanismo: 
Reflexiones sobre las actividades y la convivencia en las ciudades.

White cube: 
Término empleado para referirse a la sala de exposiciones neutra, blanca, que en el arte moderno sustituye a anteriores formas de presentación ( por ejemplo, colgando las obras unas junto a otras sobre papeles pintados) El white cube desea facilitar la percepción concentrada y sin trabas de la obra de arte. 

martes, 28 de agosto de 2012

Pierre et Gilles, sailors & sea


Aunque la primer obra de Pierre et Gilles data de hace casi tres décadas, durante este periodo no se aprecia ningún cambio estilístico radical, algo realmente digno de mención. Sus estrategias formales parecen haber encontrado su espacio natural en los años setenta del siglo XX algo que la imagen icónica "Adam et Ève" (1981) no puede sino confirmar, lo mismo cabe decir de su inmutable técnica, en la que parecen sentirse tan cómodos: Pierre hace fotografías y Giilles las colorea. El impacto de la tecnología de la información no ha tenido el mínimo efecto en una obra que se ha mantenido alejada de las facilidades del retoque digital o de las posibilidades de duplicación que ofrece la información. Las nuevas imágenes se suceden a un ritmo constante, sin prisa y, junto con las antiguas, conforman un corpus homogéneo desde el punto de vista estilístico y formal. En su caso, nunca ha habido una "época rosa" seguida de una "época azul" ; Y en ese flujo continuo resulta imposible trazar una sucesión de temas distintos, en la que cada uno de estos nacería de una de una decisión arbitraria e inspiraría un punto de seducción o compulsión en la fantasía del espectador. Al contrario, la sofisticación y la complejidad de su imaginación giran en torno a un amplio repertorio de temas atemporales que a menudo están íntimamente ligados: el amor, la muerte, la mitología y la religión. Las imágenes que nos proponen son "instantáneas" de una escena construidas meticulosamente y fruto de una prolongada meditación. Así no debería de sorprendernos que el mar desempeñe un papel tan relevante en su arte, un papel que resume el potencial romántico de sus temas. Sus imágenes, tanto la más antigua como las más arecientes, están pobladas por una extravagante serie de marineros. Las imágenes de Pierre et Giilles permiten al espectador dejarse llevar a la deriva por las corrientes de la ensoñación, imágenes recurrentes que provienen de fuentes privilegiadas como "Querelle de Brest" de Jean Gene; su adaptación cinematográfica, firmada por Rainer Werner Fassbinder (1982) y "20.000 leguas de viaje submarino" de Verne. Esta última novela inspiró una de sus propuestas más recientes, "Capitaine Nemo" (2004) con su recreación del submarino Nautilus. Roland Barthes dice al respecto: "El barco puede simbolizar la partida y a un nivel más profundo, funciona como el emblema del enclaustramiento. Tener inclinación por los barcos siempre implica la alegría de encerrarse por completo en un entorno en el que se tenga a mano el mayor número posible de objetos... El Nautilus es la madriguera más deseable: la felicidad de estar encerrado alcanza su paroxismo cuando desde lo más profundo de este recogimiento perfecto es posible observar a través de una enorme escotilla la inmensidad del agua que hay al otro lado de manera que se consigue definir en una única imagen el interior mediante su opuesto".
Las imágenes de Pierre et Gilles se crean en un estudio situado en el sótano de su casa, con lo que se logra inferir vida física en los confines del espacio en el que posan los modelos, el batiscafo sobre el que disertaba Barhes constituye una extraña metáfora de este tema: rodeado de una enorme cantidad de elementos iconográficos cuidadosamente recopilados, el protagonista se ve confinado en un interior en el que el contrario define el mundo exterior.

El marinero al igual que el espectador, debe estar preparado para la aventura. Debe considerar con sangre fría la posibilidad de una naufragio y la corporalidad azarosa de los encuentros que se produzcan durante las escalas. Es una ficción que no destila únicamente crueldad sino también liberación:  La vida del marinero combina la resignación y la nostalgia por lo que ha abandonado con la promesa de lo que puede descubrir al final del viaje. Comparte su soledad con criaturas inesperadas que conjugan la belleza con la crueldad.
En la trayectoria de Pierre et Gilles, la figura del marinero desempeña otra función clara: es reflejo del espectador, que debe aventurarse en la apreciación de la obra de arte sin ninguna garantía de llegar a buen puerto ni certeza alguna de alcanzar la distante orilla, viajando con la convicción de que el viaje es el objetivo. 


“Le Petit Communiste Christophe” Pierre et Gilles

miércoles, 22 de agosto de 2012

Günther Förg el "pasante de la modernidad"

Günther Förg (1952, Füssen, Alemania) pintor , fotógrafo y escultor, se mueve a cámara rápida por el proyecto de la modernidad artística, mientras lo somete a una revisión. Piet Mondrian, la Bauhaus y la vanguardia rusa de comienzos del siglo, pero también Barnett Newman, Jean Fautrier y el legendario director de cine Jean-Luc Gobard son, en cierto modo, los "antecesores" de su arte, que se presenta frecuentemente muy denso, en forma de instalaciones. Esta estrategia artística del recurso consciente se puso de manifiesto, por ejemplo, en una de sus primeras exposiciones importantes, que se celebró en 1987 en el Museum Haus Lange de Krefeld. Förgtradujo pinturas murales monocromáticas, que en su coloración parecían el eco de la casa Wittgenstein de Viena, a la arquitectura de Mies van der Roche. El resultado fue un diálogo controvertido entre los dos principios arquitectónicos. También en su pintura, Förg cita modelos del arte moderno clásico, por ejemplo en sus numerosos cuadros de rejas de los años noventa que, entre otros, recuerdan los cuadros neoyorquinos del Mondrian tardío; pero, en su traducción "coloquial", rápida y casi chapucera, ridiculiza su autoridad nunca puesta en duda. Este enfoque crítico, incluso se acentúa en numerosos trabajos fotográficos de Förg, por ejemplo en su serie "arquitectura de Moscú 1923-1941" donde fotografió la arquitectura vanguardista moscovita dejando el enfoque casi al azar, en ocasiones los contornos eran poco nítidos, de ese modo, esas treinta fotos narran el fracaso de una utopía. Sin embargo como es característico del artista, son de una belleza llamativa. Las esculturas de bronce del artista, con su tratamiento de la superficie casual-gestual, también revelan el momento efímero que ha hecho a Förg merecedor del título "pasante de la modernidad"  

Wandmalerei, 1991, Günther Förg, instalación permanente.