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lunes, 1 de octubre de 2012

Jeff Koons


Jeff Koons, joven, normal y común y corriente, ganó el dinero que precisaba para sus primeras obras de arte trabajando en la bolsa, fue en los ochenta el superestrella absoluto del ajetreado mundo del arte. Comenzó colocando aspiradores completamente nuevos en vitrinas que parecían rigurosamente limpias y que estaban iluminadas por luces de neón. En 1985 hizo los dos "Equilibrium tanks", cajas llenas de agua como acuario, con balones de baloncesto flotando. Un año más tarde sorprendió al mercado del arte con figuras de acero inoxidable relucientes. En el culmen de su carrera en 1991, Jeff Koons se casó con la estrella porno italiana Cicciolina. De sus devaneos sexuales dejó testimonio, ya en 1989, en su ciclo "Made in Heaven" en gigantescas imágenes y esculturas reprodujo con todo lujo de detalles los actos sexuales.
Jeff Koons sigue siendo una estrella del espectáculo, pero también ocupa la atención del mundo del arte. Sus obras son un sutil mezcla de kitsch, modernidad y sexo: rompen tabúes, pero no para escandalizar, sino para revelar belleza en su provocación. De ese modo, Jeff Koons dio como ningún otro en el nervio de la generación de yuppies y nuevos ricos. Después de 1992 se hizo el silencio en torno a él; también fracasó su matrimonio con Cicciolina. Su último proyecto "Celebration" que consta de 20 grandes esculturas y cuadros inmensos, se presentó en el año 2000, en el Deutsche Guggenheim Berlin.



Celebration, 2002

martes, 28 de agosto de 2012

Pierre et Gilles, sailors & sea


Aunque la primer obra de Pierre et Gilles data de hace casi tres décadas, durante este periodo no se aprecia ningún cambio estilístico radical, algo realmente digno de mención. Sus estrategias formales parecen haber encontrado su espacio natural en los años setenta del siglo XX algo que la imagen icónica "Adam et Ève" (1981) no puede sino confirmar, lo mismo cabe decir de su inmutable técnica, en la que parecen sentirse tan cómodos: Pierre hace fotografías y Giilles las colorea. El impacto de la tecnología de la información no ha tenido el mínimo efecto en una obra que se ha mantenido alejada de las facilidades del retoque digital o de las posibilidades de duplicación que ofrece la información. Las nuevas imágenes se suceden a un ritmo constante, sin prisa y, junto con las antiguas, conforman un corpus homogéneo desde el punto de vista estilístico y formal. En su caso, nunca ha habido una "época rosa" seguida de una "época azul" ; Y en ese flujo continuo resulta imposible trazar una sucesión de temas distintos, en la que cada uno de estos nacería de una de una decisión arbitraria e inspiraría un punto de seducción o compulsión en la fantasía del espectador. Al contrario, la sofisticación y la complejidad de su imaginación giran en torno a un amplio repertorio de temas atemporales que a menudo están íntimamente ligados: el amor, la muerte, la mitología y la religión. Las imágenes que nos proponen son "instantáneas" de una escena construidas meticulosamente y fruto de una prolongada meditación. Así no debería de sorprendernos que el mar desempeñe un papel tan relevante en su arte, un papel que resume el potencial romántico de sus temas. Sus imágenes, tanto la más antigua como las más arecientes, están pobladas por una extravagante serie de marineros. Las imágenes de Pierre et Giilles permiten al espectador dejarse llevar a la deriva por las corrientes de la ensoñación, imágenes recurrentes que provienen de fuentes privilegiadas como "Querelle de Brest" de Jean Gene; su adaptación cinematográfica, firmada por Rainer Werner Fassbinder (1982) y "20.000 leguas de viaje submarino" de Verne. Esta última novela inspiró una de sus propuestas más recientes, "Capitaine Nemo" (2004) con su recreación del submarino Nautilus. Roland Barthes dice al respecto: "El barco puede simbolizar la partida y a un nivel más profundo, funciona como el emblema del enclaustramiento. Tener inclinación por los barcos siempre implica la alegría de encerrarse por completo en un entorno en el que se tenga a mano el mayor número posible de objetos... El Nautilus es la madriguera más deseable: la felicidad de estar encerrado alcanza su paroxismo cuando desde lo más profundo de este recogimiento perfecto es posible observar a través de una enorme escotilla la inmensidad del agua que hay al otro lado de manera que se consigue definir en una única imagen el interior mediante su opuesto".
Las imágenes de Pierre et Gilles se crean en un estudio situado en el sótano de su casa, con lo que se logra inferir vida física en los confines del espacio en el que posan los modelos, el batiscafo sobre el que disertaba Barhes constituye una extraña metáfora de este tema: rodeado de una enorme cantidad de elementos iconográficos cuidadosamente recopilados, el protagonista se ve confinado en un interior en el que el contrario define el mundo exterior.

El marinero al igual que el espectador, debe estar preparado para la aventura. Debe considerar con sangre fría la posibilidad de una naufragio y la corporalidad azarosa de los encuentros que se produzcan durante las escalas. Es una ficción que no destila únicamente crueldad sino también liberación:  La vida del marinero combina la resignación y la nostalgia por lo que ha abandonado con la promesa de lo que puede descubrir al final del viaje. Comparte su soledad con criaturas inesperadas que conjugan la belleza con la crueldad.
En la trayectoria de Pierre et Gilles, la figura del marinero desempeña otra función clara: es reflejo del espectador, que debe aventurarse en la apreciación de la obra de arte sin ninguna garantía de llegar a buen puerto ni certeza alguna de alcanzar la distante orilla, viajando con la convicción de que el viaje es el objetivo. 


“Le Petit Communiste Christophe” Pierre et Gilles

miércoles, 22 de agosto de 2012

Günther Förg el "pasante de la modernidad"

Günther Förg (1952, Füssen, Alemania) pintor , fotógrafo y escultor, se mueve a cámara rápida por el proyecto de la modernidad artística, mientras lo somete a una revisión. Piet Mondrian, la Bauhaus y la vanguardia rusa de comienzos del siglo, pero también Barnett Newman, Jean Fautrier y el legendario director de cine Jean-Luc Gobard son, en cierto modo, los "antecesores" de su arte, que se presenta frecuentemente muy denso, en forma de instalaciones. Esta estrategia artística del recurso consciente se puso de manifiesto, por ejemplo, en una de sus primeras exposiciones importantes, que se celebró en 1987 en el Museum Haus Lange de Krefeld. Förgtradujo pinturas murales monocromáticas, que en su coloración parecían el eco de la casa Wittgenstein de Viena, a la arquitectura de Mies van der Roche. El resultado fue un diálogo controvertido entre los dos principios arquitectónicos. También en su pintura, Förg cita modelos del arte moderno clásico, por ejemplo en sus numerosos cuadros de rejas de los años noventa que, entre otros, recuerdan los cuadros neoyorquinos del Mondrian tardío; pero, en su traducción "coloquial", rápida y casi chapucera, ridiculiza su autoridad nunca puesta en duda. Este enfoque crítico, incluso se acentúa en numerosos trabajos fotográficos de Förg, por ejemplo en su serie "arquitectura de Moscú 1923-1941" donde fotografió la arquitectura vanguardista moscovita dejando el enfoque casi al azar, en ocasiones los contornos eran poco nítidos, de ese modo, esas treinta fotos narran el fracaso de una utopía. Sin embargo como es característico del artista, son de una belleza llamativa. Las esculturas de bronce del artista, con su tratamiento de la superficie casual-gestual, también revelan el momento efímero que ha hecho a Förg merecedor del título "pasante de la modernidad"  

Wandmalerei, 1991, Günther Förg, instalación permanente. 

lunes, 20 de agosto de 2012

Los cuadernos populares de José Guadalupe Posada

José Guadalupe Posada fue un artista prolífico. Activo desde 1871 hasta 1912, durante ese tiempo realizó infinidad de grabados, parte significativa corresponde a trabajos para Antonio Venegas Arroyo, el editor popular más importante en México durante las dos últimas décadas del siglo XIX y la primera del XX. Para él Posada creó principalmente imágenes pensadas como ilustraciones de textos impresos en hojas volantes y cuadernos. Las características de éstos últimos conservan unidad gráfica en formato y composición, nos permiten observar la evolución del artista durante el tiempo que laboró para dicho impresor, gracias a los cuadernos podemos ver las modificaciones estilísticas de Posada en una cronología poco frecuente, el resultado sorprende, se muestra a un Posada distinto al estereotipo, más íntimo, un maestro ilustrador preocupado por el atractivo comercial de sus cubiertas, un hábil publicista precursor del diseño mexicano, quien se esmeró por conquistar la atención de un amplio sector de la población y le brindó la posibilidad de tener un bello grabado por unos cuantos centavos.

La pequeñas colecciones y series impresas por Antonio Venegas Arroyo se les denominaba, un  tanto de manera despectiva, cuadernillos, por la mala calidad de su papel, formato pequeño y pocas páginas. Para el impresor eran solo cuadernos y José Guadalupe Posada ilustró durante 22 años alrededor de 300. Estas publicaciones incluían cancioneros, cuentos, sainetes, pastorelas, adivinanzas, epistolarios, colecciones de versos, manuales de cocina, muestrarios para bordados y tejidos, silabarios, oráculos, novenarios, etc. Las cubiertas realizadas por Posada les dan una común calidad visual.

Los cuadernos tenían dimensiones de aproximadamente 14 cm de alto por 9.5 de ancho; estaban impresos con tinta negra y roja, el precio de la mayoría oscilaba entre los 2 y 6 centavos. Tenían como antecedentes calendarios que se publicaban desde inicio del México independiente. Los primeros ejemplos que publicó Venegas no incluían ilustraciones significativas; lo principal era trabajo tipográfico. Fue hasta 1882 cuando el grabador Manuel Manilla comenzó a laborar para él y las publicaciones comenzaron a lucir vistosas imágenes.
Cuando Posada entró a trabajar con Venegas siguió la línea de Manilla y Venegas descuidó la calidad del papel, de impresión e incluso cometía faltas de ortografía así que recurrió a un grupo de colaboradores con ideas afines a las suyas que lo acompañaron durante décadas. Ellos adaptaron cuentos, inventaron adivinanzas, discursos, obras de teatro repletos de modismos que retomaban del mismo pueblo. Los grabados de Posada tienen gran deuda con estos escritores, ya que fueron su principal fuente de inspiración y le brindaron las bases para desbordar su imaginación. 

En las portadas se se distingue que de 1890 hasta 1996 utilizó buril como herramienta para las portadas; después y hasta 1912 se limitó casi exclusivamente a la zincografía. Otro detalle es que a partir de 1908, elimina los marcos rectos y optó por uno diferente para encuadrar cada una de sus ilustraciones. 

Los cuadernos  reflejan los gustos y aficiones de la última década del siglo XIX y la primera del XX en la Ciudad de México, sobre todo de gente con pocos recursos que requerían de lecturas sencillas para sus ratos libres.

lunes, 6 de agosto de 2012

Las musas de Salvatore Ferragamo



Una pequeña nota que me parece ¡fantástica!
Salvatore Ferragamo Fue un genio creativo del calzado del siglo XX. Sus zapatos son obras de arte que sugieren fascinantes analogías entre la arquitectura, el diseño, el arte, la artesanía y los estilos de vida.
Tenía clasificadas a sus clientas por 3 tipos según el número:

  • Cenicientas:
Calzan menos del número 6

Son seres femeninos y siempre deben tener quien las ame para ser felices.

  • Venus:
Calzan del número 6

Son mujeres hermosas, fascinantes y sofisticadas, adoran las cosas simples de la vida y están destinadas a ser incomprendidas.

  • Aristócratas:
Calzan más del número 6

Mujeres sensibles que a veces pueden ser caprichosas. 

Información obtenida del libro "Sueños que caminan" si alguien posee el diario de Salvatore podrá encontrar la explicación completa y de ser posible y la pudiera compartir ¡sería genial! continuamente iré recabando información sobre este artista que ha sido influencia en mi carrera y persona. 


Zapato Vera, Salvatore Ferragamo



martes, 31 de julio de 2012

Los colores de Frida Kahlo



Según el imaginario de Frida, en su diario describe su propia gama de colores.

  • Verde: Luz tibia y buena.
  • Solferino: Azteca tlapalli, vieja sangre de tuna, el más viejo y antiguo.
  • Café: Color del mole, de hoja que se va. Tierra.
  • Amarillo: Locura, enfermedad, miedo. Parte del sol y de la alegría.
  • Azul cobalto: Electricidad y pureza, amor.
  • Negro: Nada es negro.
  • Verde hoja: Hojas tristes, ciencia, Alemania entera es de este color. 
  • Amarillo verdoso: Más locura y misterio, todos los fantasmas usan trajes de este color, o cuando menos ropa interior.
  • Verde oscuro: Color de anuncios malos y de buenos negocios.
  • Azul marino: Distancia, también la ternura puede ser de este azul.
  • Magenta: ¿sangre? pues ¡quien sabe!


"Paleta de color" Frida Kahlo