Je voudrais

De Maite Catti
Je voudrais

Talle de Gráfica Popular

Los años cercanos a 1930 fueron conflictivos, no sólo en México sino en el resto del mundo. La curva capitalista sufrió entonces su postrer descenso previsto y arrastró en su caída tanto a los financieros como a los trabajadores bajo la influencia estadounidense. Esto despertó la solidaridad internacionalista acelerada por la guerra española. En México, la formación del Estado fue propicia a la confluencia de políticos de diferentes lugares de América: desde Haya de la Torre y Gabriela Mistral hasta Julio Antonio Mella y Agustín Farabundo Martí.

Por toda América creció un comunismo práctico. Uno diferente al desarrollo en los círculos de estudio o en las aulas , el de los trabajadores deseosos de servir al pueblo e impulsar tendencias socialistas.

Tres artistas comunistas decidieron, en 1937, cumplir la tarea de integrar un proyecto de vinculación del trabajo cultural a las necesidades populares. Dos de ellos tenían una importante influencia de los grupos progresistas estadounidense y los tres gozaban ya de prestigio entre sus compañeros artistas como organizadores y excelentes productores de imágenes.

Luis Arenal se formó en Estados Unidos y ahí conoció a Dvid Alfaro Siqueiros, del que sería colaborador principal hasta su muerte. Arenal había participado en importantes publicaciones como New Masses, El Machete, Mexican Art, etc. donde impulsó la la difusión de la trascendencia histórica de Posada y otras tradiciones populares. Leopoldo Méndez había acumulado importantes tareas de ilustrador del estridentismo y pronto había derivado en crítico mordaz de los ricos en publicaciones de izquierda. 

Los tres habían participado intensamente de los trabajos de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios, no sólo en su órgano de prensa, sino también en los proyectos de penetración popular en los planes educativos del estado, como las misiones culturales y la enseñanza rural.

Cuando en 1937 los tres advirtieron la proximidad de un régimen nacionalista al que había que orientar hacia el socialismo, fundaron , sin manifiestos ni alharacas, lo que pronto se convirtió en el Taller de Gráfica Popular, al que invitaron a participar a un grupo de artistas de las llamadas segunda y tercera generaciones de la Escuela Mexicana de Pintura. Así sintetizaron en un proyecto de fructífera vida, la posición de una tendencia artística e intelectual. Esto ha exigido la demostración de sus trabajos para alentar la reflexión hitórica, no sólo sobre sus personalidades, sino sobre su significado actual.

El Taller de Gráfica Popular es la agrupación artística que cuenta con más años en México. No ha tenido una línea única sino rupturas y conflictos necesarios a diferentes concepciones políticas de los popular, un taller capaz de vincularce con las necesidades populares del momento: desde las intervenciones exigidas por la guerra española y el ascendo del fascismo, hasta la formación de la Central única de Trabajadores de México y el enfrentamiento a las fuerzas sociales opuestas a las formas educativas y culturales.

Al fin, en 1937, el Taller de Gráfica Popular apareció como una institución que reunió a pintores y grabadores que no sólo destacaban en sus especialidades artísticas, sino también en la promoción cultural y a veces en las organizaciones políticas de izquierda. No pasaron los diferentes miembros, lo cual no afectó al crecimiento de una tendencia realista con precisas características en los signos y en la posición.

Las concepciones sobre lo popular, sobre el trabajo colectivo, sobre las orientaciones del trabajo con el Estado, fueron reproduciendo escisiones y rupturas. Por ejemplo algunos miembros, como Chávez Morado y Zalce, se separaron pronto sin afectar al colectivo, por otros como Méndez produjeron con sus salida importantes afectos que tienen que ver con las vicisitudes de la formación socialista en México. Después de esta ruptura en 1960 se dio otra que acabó por incorporar al TGP una escuela de iniciación artística que aun funciona. 

Declaración de principios del Taller de Gráfica Popular

El Taller de Gráfica Popular es un centro de trabajo colectivo para la producción funcional y el estudio de las diferentes ramas del grabado y la pintura. El TGP realiza un esfuerzo constante para que su producción beneficie los intereses progresistas y democráticos del pueblo mexicano, principalmente en su lucha contra la reacción fascista.

Considerando que la finalidad social de la obra plástica es inseparable de su buena calidad artística, el Taller de Gráfica Popular lucha por desarrollar las capacidades técnicas individuales de sus miembros. El TGP prestará su su cooperación profesional a otros talleres o instituciones culturales, a las organizaciones de trabajadores y populares, y a todos los movimientos e instituciones progresistas en general.

El Taller de Gráfica Popular defenderá los intereses profesionales de los artistas.

México, D.F., marzo de 1945.

Jeff Koons

Jeff Koons, joven, normal y común y corriente, ganó el dinero que precisaba para sus primeras obras de arte trabajando en la bolsa, fue en los ochenta el superestrella absoluto del ajetreado mundo del arte. Comenzó colocando aspiradores completamente nuevos en vitrinas que parecían rigurosamente limpias y que estaban iluminadas por luces de neón. En 1985 hizo los dos "Equilibrium tanks", cajas llenas de agua como acuario, con balones de baloncesto flotando. Un año más tarde sorprendió al mercado del arte con figuras de acero inoxidable relucientes. En el culmen de su carrera en 1991, Jeff Koons se casó con la estrella porno italiana Cicciolina. De sus devaneos sexuales dejó testimonio, ya en 1989, en su ciclo "Made in Heaven" en gigantescas imágenes y esculturas reprodujo con todo lujo de detalles los actos sexuales.

Jeff Koons sigue siendo una estrella del espectáculo, pero también ocupa la atención del mundo del arte. Sus obras son un sutil mezcla de kitsch, modernidad y sexo: rompen tabúes, pero no para escandalizar, sino para revelar belleza en su provocación. De ese modo, Jeff Koons dio como ningún otro en el nervio de la generación de yuppies y nuevos ricos. Después de 1992 se hizo el silencio en torno a él; también fracasó su matrimonio con Cicciolina. Su último proyecto "Celebration" que consta de 20 grandes esculturas y cuadros inmensos, se presentó en el año 2000, en el Deutsche Guggenheim Berlin.

Celebration, 2002

Alegorías de amor

Eros y Ágape

"El amor nace de una separación, nos recuerda nuestra naturaleza primitiva y hace esfuerzos para reunir las dos mitades y para restablecernos en nuestra antigua perfección. Cada ser humano no es más que una mitad separada de un todo. Condenada a caminar -ya no a rodar, como ocurría con los esféricos originales- de un cuerpo a otro, en busca de su mitad correspondiente" apunta el investigador José Ricardo Chaves, Eros y Ágape representaron para los clásicos el complemento entre lo físico, carnal, sensual y la espiritualidad del amor. Ahí donde comulgan la pasión erótica del que ama y la del que es amado. Ovidio, Apuleyo y Platón abordaron, entre otros, el amor a través de mitos y alegorías que forjaron el imaginario antiguo. Eros y Psique, Apolo y Dafne, Clície y Leucotoe, Ciniras y Mirra; Zeus en sus devaneos con Danae, Europa, Leda o Ío, dan cuenta de la pasión que seduce a dioses y mortales.

"Amor y muerte (Eros y Tánatos), contrarios al orden divino, irrumpen el curso de la historia al invertir los valores y como principio y fin de toda acción, se aíslan y se proyectan en el vacío, sin sucesión en el tiempo" suscribe Fernando Delmar. Erotismo, sensualidad, ambivalencia del amor. La búsqueda del opuesto que lo integre. El coito es un ritual donde cuerpo y espíritu, por un instante, atisban la eternidad. Es la vuelta, el regreso al "origen divino" al que alude Laura Esquivel en su novela "Como agua para chocolate". Fuegos fatuos que remiten a la separación original y que , en el momento del éxtasis, todo lo transfiguran hasta alcanzar "nuestra ración de paraíso" en las palabras de Octavio Paz " El amor, es una atracción hacia una persona única: a un cuerpo y a un alma. El amor es elección: el erotismo, aceptación. Sin erotismo (sin forma visible que entra por los sentidos) no hay amor pero el amor traspasa al cuerpo deseado y busca el alma en el cuerpo y, en el alma, al cuerpo. A la persona entera.

El amor en occidente

En el "Banquete", Aristófanes señaló "... cada parte echaba de menos a su mitad, y se reunía con ella, se rodeaban con sus brazos, se abrazaban la una a la otra, anhelando ser una sola naturaleza ... en consecuencia el anhelo y la persecución de ese todo recibe el nombre de amor..."  Andrógino que, tras la separación primigenia, dio origen al carácter individual de los opuestos.

El amor medieval fue testigo de la coyuntura entre el amor humano y el amor divino. El amor "cortés" y el llamado "Dolce Stil Novo" (la idealización que los trovadores hicieron de la mujer en la Italia del siglo XIII) sedujeron a la dama con coplas y poemas. En la versión mística de Bernardo de Claraval, la Virgen María fue aludida como "Notre Dame", como advocación caballeresca del sentido devocional mariano.

El Humanismo, que volvió su mirada hacia las fuentes grecolatinas, apostó por acercarse a las pasiones del hombre por el hombre mismo. Antiguos mitos y pasajes alegóricos exaltaron la belleza evocada del amor. En la tabla "Venus y Marte" (1483) del artista florentino Sandro Botticelli, sita en la Galería Nacional de Londres, el sensual cuerpo del patrón de los guerreros yace con placidez ante la mirada furtiva de la diosa del amor.

El Barroco exaltó la sensualidad de las monarquías reales, siendo la de Versalles en Francia su gran paradigma. Relaciones peligrosas, clandestinas y erotismo se manifiestan en el desnudo de la mujer. Artistas como Chardin, Boucher o Nattier captaron en sus pinturas la belleza fascinante y extrovertida del ideal femenino de las cortes absolutistas.

El Neoclásico dieciochesco encontró su inspiración de vuelta en la antigüedad (con especial énfasis en la entonces descubiertas ciudades italianas de Herculano y Pompeya) para mostrar la esencia del amor acorde a los patrones clásicos. "Madame Récamier" de Jacques-Louis David, reposa sobre un triciclo en una composición que recuerda los frescos pompeyanos, la cual enfatiza la elegancia y el atractivo de la dama.

El Romanticismo demostró la libre inspiración del artista. Eugène Delacroix y sus contemporáneos encontraron su inspiración en la Edad Media y en el exotismo oriental. Odaliscas y mujeres turgentes y voluptuosas pueblan el universo artístico de los románticos. "La muerte de Sardanápalo" de Delacroix expone un cuadro de arrebato y suicidio en complicidad con la seducción. Asimismo, la idea de un amor cruel y no correspondido, como el de Werther, obra capital de Goethe, exalta el valor del sentimiento sobre la razón.

El lenguaje del cuerpo

El cuerpo es el agente primordial del amor. Por sus formas y lenguajes transitan la pasión ardorosas y la búsqueda primigenia del ser humano. El encuentro, lo tangible del amor y la materialidad del otro nos conduce e identifica: "Eros con sus puentes entre lo corpóreo y lo metafórico, con los sentimientos, las obnubilaciones, los transportes ... la eyaculación, el orgasmo, en un continuo oscilar entre actividades del cuerpo y representaciones metafóricas, lingüísticas, y en último análisis, mentales" señala el psicoanalista Romolo Rossi. 

El amor se manifiesta en múltiples rostros y atavíos. Para la mirada occidental ha sido extrovertido, estéreo y mágico; lo que se muestra o se oculta; la sujeción del alma en una forma corpórea o la libertad del espíritu a través del suyo. El amor juega con sus formas tangibles e intangibles, donde los sentidos y la razón se manifiestan; ahí donde el hombre y la mujer, en su torrente de signos y símbolos, se unen para fundamentarse en el amor. En palabras del escritor Alberto Ruy Sánchez: "La persona amada es una llama que contagia el fuego"     

Héctor Palhares Meza

Destino

"Destino" fue un guión del guionista del estudio Disney John Hench y el artista Salvador Dalí. Se trabajó en él durante ocho meses, desde finales de 1945 a 1946. Sin embargo, las preocupaciones financieras llevaron a Disney a abandonar la producción. The Walt Disney Company, a continuación, Walt Disney Studios, tuvo muchos problemas financieros en la segunda guerra mundial. Hench compiló una prueba del corto de animación de unos 18 segundos con la esperanza de reavivar el interés de Disney en el proyecto, pero la producción ya no se consideró económicamente viable y se puso en pausa indefinida.

En 1999, el sobrino de Walt Disney Roy E. Disney, mientras trabajaba en "Fantasia 2000", desenterró el proyecto latente y decidió traerlo de vuelta a la vida. El corto fue producido por Baker Bloodworth y dirigido por el animador francés Monfréy Dominique en su papel de director de primera. Un equipo de 25 animadores descifró los guiones crípticos de Dalí y Hench (con un poco de ayuda de revistas de la esposa de Dalí, Gala Dalí y la orientación del mismo Hench), y terminóla producción de Destino. El resultado final es sobre todo animación tradicional, incluyendo material de archivo original de Hench, pero también contiene algunos momentos de animación por computadora. Las 18 tomas de segundo original que se incluyen en el producto acabado son el segmento con las dos tortugas (este material original se refiere a la secuencia Better Midler de acogida de "El soldadito de oro" en "Fantasía 2000", incluyendo una «idea que consideró el béisbol como metáfora de la vida».

Destino se estrenó el 2 de junio de 2003 en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy en Francia. El corto de seis minutos sigue la historia de amor entre Cronos y el amor desafortunado que siente por una mujer mortal. La historia continúa a medida que las danzas femeninas se mueven a través de un paisaje surrealista inspirado en las pinturas de Dalí. No hay diálogo, pero la banda sonora incluye una canción del compositor mexicano Armando Domínguez.

El cortometraje fue muy bien recibido, ganó muchos premios y en 2003 fue nominado para el premio de la Academia al mejor cortometraje animado. Destino se estrenó en los cines en una versión muy limitada junto con la película "Las chicas de calendario".

La película se proyectó como parte de la exposición Dalí & Film en el Tate Modern de junio a septiembre de 2007, como parte de la exposición Dalí en el Museo del Condado de Los Ángeles de Arte de octubre 2007 a enero de 2008, y en una exposición en el Museo de Nueva York de Arte Moderno llamado Dalí: Pintura y Cine de junio a septiembre de 2008, así como en una exposición en el Museo Dalí en St. Petersburg, Florida en 2008. A mediados de 2009, tuvo lugar su exposición en Melbourne (Australia) en la Galería Nacional de Victoria a través de la exposición Dalí, Deseo líquido, y desde finales de 2009 hasta abril de 2010 se expuso en el Dayton Art Institute en Ohio, en una exposición titulada "Dalí y Disney: El arte y la animación de Destino"

Biografía de Pola Weiss

Pola Weiss nació en la ciudad de México el 3 de mayo de 1947, su padre, Leopoldo Weiss, era de le origen alsaciano y su madre, Emma Álvarez, mexicana. Aunque muchas veces Pola dijo que venía del planeta Venus y que era hija de sí misma. 

Estudió ciencias de la comunicación, cine e historia en la UNAM, su tesis de licenciatura en comunicación fue el primer trabajo de video que se tituló en esta universidad.  Fue su abuela materna, doña María, quien despertó en Pola el amor por las imágenes, ya que desde muy niña la llevó al cine cuando menos tres o cuatro veces por semana, también se sabe que desde muy pequeña ella misma se organizó representaciones y performances para su familia, vecinas y compañeras de la escuela. Además su padre, loco enamorado de ella, la fotografió, grabó y filmó tanto como pudo. De modo que con grandes esfuerzos y mucha dedicación Pola Weiss devino una loca narcisista imaginativa por propia voluntad.

A mediados de los años setenta viaja a Europa con una beca universitaria para realizar investigaciones sobre la televisión artística en la BBC de Londres, la VPRO de Holanda, la OFRATEME de París y la RAI de Italia, en esa época, en México ¿quién podía creer que la tele fuera arte o siquiera una cosa inteligente? 

En 1976, durante uno de sus viajes a Nueva York, entra en contacto con expertos en el videoarte, Allí presencia la exhibición de algunas obras de Nam June Paik, a quien se considera hoy día como uno de los grandes creadores del videoarte.

Ya para 1977, Pola Weiss se autodenomína "teleasta" y realiza su primera obra en audiovideografía "Flor cósmica" todo hecho, literalmente con sus propias manos, en la más absoluta independencia y autonomía. Contra lo que dice la leyenda: muy pronto fue reconocida por una selecta y apreciable minoría la importancia y profundidad de sis obras, tanto en audiovideografía como en performance, instalación, ambientación y todo lo demás que signifique desconstrucción del arte burgués. Así llegará a ver exhibidas en 1979 sus obras "Todavía estamos", "Cuilapan de Guerrero" y "Los muertos de Etla" en el Centre Pompidou de París.

Un elemento determinante en las obras audiovideográficas de Pola Weiss es precisamente el audio, sus usos de sonido y la música en la construcción del relato audiovisual. Siempre el resultado fue la expresión dialéctica del sonido y la figura visual, nunca empleó la banda sonora como un pleonasmo.

En el Encuentro Internacional de Videoarte en 1977 de la Ciudad de México, Froylán López Narváez escribe: "La lógica de este trabajo es la de una liberación personal presentada con un discurso icónico libérrimo, donde la música acompaña de verdad a las imágenes y éstas no se encuentran sólo a su cuidado. Y durante este encuentro conoce personalmente a Nam June Paik, quien la reconoce como una importante pionera en este tipo de arte e influye de modo sobresaliente en la estética de todas las creaciones de nuestra teleasta.

En 1983 junto con otras personas fundó el proyecto televisivo Videocosmos en el canal 9 de la televisión comercial, además de exponer su obra en Yugoslavia, Francia y Canadá. Ya desde 1982, Pola sostenía sin titubeos la teoría de que el videoarte es la superación dialéctica de la TV como caja idiota, pues constituye una propuesta ética y filosófica radical para los seres cuyo pensamiento es visual eléctrico. De esta forma también dirá poco después que el videoclip tipo MTV únicamente es una expresión de mediocridad creativa, pues allí todo lo rige el mercado del espectáculo. 

En el año 1988 su padre enferma de cáncer y comienza el declive emocional de Pola, Su último video se titula "Inertia", Leopoldo Weiss muere en la primavera de 1989. Es tal el golpe emocional en ella que no volverá a producir nada y solo unos cuantos días de después de llegar su cumpleaños número 43, el 6 de mayo de 1990, Pola Weiss realiza su tránsito por propia mano.

Pola Venusina

Glosario surrealista

Cadáver exquisito:

Se refiere al juego inventado por los surrealistas en las sesiones espiritistas, donde cada uno de los integrantes escribe o dibuja en los pliegues de una hoja sin que ninguno de ellos pueda ver que han escrito o dibujado los anteriores.

Collage:

Técnica pictorica en que se pegan fotografías, recortes de periódicos y otros objetos convenientemente elegidos sobre una superficie plana, combinados a menudo con fragmentos pintados. Fue adoptado por los surrealistas quienes enfatizaban la yuxtaposición disparada de imágenes incongruentes.

Estructura automática:

"La ventaja de la estructura automática y de los relatos de los sueños es la de proporcionar elementos de apreciación de gran estilo a una crítica desamparada, de remitir una reclasificación general de los valores líricos y de ofrecer una llave capaz de abrir indefinidamente esta caja de doble fondo a la que llamamos hombre"  André Breton. Estos ejercicios tuvieron origen en la "época de los sueños" en la que realizaban sesiones hipnóticas donde los participantes sometidos a estados alterados de la razón, escribían sus visiones. El mejor ejemplo de escritura automática es el escrito concebido en 1920 por el propio Breton y Paul Elvard, "los campos magnéticos" 

Frottage: 

Técnica que consiste en ejecutar un dibujo clocando una hoja de papel sobre alguna materia rugosa y frotando con un carboncillo o un lápiz hasta que la hoja de papel adquiere el mismo tipo de superficie que el de la materia que hay debajo. Max Ernest fue el primero en utilizar esta técnica.

Fumage: 

Una de las técnicas más audaces de dibujo, es el empleo del humo producido por una vela, método que Wolfgong Paalen denominó Fumage, dibujar con humo, el uso del carbón o del grafito representa un riesgo menor en el proceso creativo, pues en el fumage existe siempre la posibilidad de destruir la obra en el momento mismo de su formación. Si se aplica la vela encendida demasiado cerca de la superficie del lienzo, este se quema, si por el contrario se aleja demasiado, la técnica no surte efecto. 

El ojo: 

La realidad y el imaginario, el consciente y el inconsciente, son los contrarios que el surrealismo abordó y a lo que le dio forma. El ojo como órgano y a la vista como sentido, representan una ambigüedad al ser fieles testigos del juego entre lo real y lo imaginario. Por medio de la disección del ojo, se cruza el umbral de la vigilia y del estado de alerta, logrando su comunicación con el reinado del sueño al acceder al inconsciente, a lo "otro" que se mantiene desconocido. En este orden de ideas, el otro lado del ojo representa la posibilidad de una nueva vida, la convivencia con el espacio inconsciente que existe en estado salvaje. Con ello se abre entonces la exploración de sociedades consideradas "primitivas" que alejadas del razonamiento occidental resultaron atractivas para fundamentar las premisas de movimiento.

Los baúles de Louis Vuitton

En 1875, el explorador franco italiano Pierre Savorgnan de Brazza (cuyo apellido da nombre a la capital de la República del Congo) necesitaba una cama portátil y acudió al entonces cofrero y empaquetador Louis Vuitton para que se la fabricara. El objeto es ahora una pieza de museo, pero además dio inicio a una tradición en la que participaría una larga lista de personalidades de distintos ámbitos. Se había hecho posible transportar fácilmente y con estilo algo muy significativo para una persona destacada. Así comenzó una historia "de pasión y ciencia", como la misma casa francesa la define, y ésta sigue hasta nuestros días.

"Esto tiene que ver con el movimiento. Nada que sea difícil de transportar sale de las manos de un artesano". Esta es la sorprendente declaración (pensaríamos que preferiría destacar conceptos relacionados al lujo) de Patrick-Louis Vuitton, miembro de la quinta generación de la familia que inventó estos baúles. Fue por recomendación de su abuela que comenzó como asistente de carpintero en los talleres de Asnières, localidad situada a cinco minutos de París. Hoy es un maestro del savoir faire y tiene claro que nadie quiere viajar incómodo o preocupado por sus pertenencias.

Si bien Marc Jacobs ha transformado la oferta de la marca y los bolsos han adquirido protagonismo como objetos de deseo, las verdaderas creaciones emblemáticas de la casa Vuitton son los baúles. Cada año se crean exclusivamente alrededor de 500 (incluidos cajas y cofres) en el Centro de Pedidos Especiales. Son únicos, al igual que la persona que los solicita. Son, tal cual, "sueños hechos realidad".

Consideremos que los baúles están fabricados para contener y transportar hermosos artículos, piezas importantes, delicadas. Artilugios que sirven no sólo a sus dueños, sino a la sociedad de la que forman parte y con os que fabricarán un legado artístico y cultural. No en balde han guardado la cámara de Annie Leibovitz o las herramientas de Damien Hirst, los utensilios de Ferrán Adriá o los instrumentos musicales de Gustavo Santaolalla, por citar algunos ejemplos recientes.

Si bien, además de haber contenido artículos que llegan a ser de importancia histórica, es conocido que en su interior también han albergado objetos banales como pasteles u osos de peluche. ¿Es el texto inédito de Ernest Hamingway guardado en un cajón secreto lo más significativo que se han encontrado dentro de un baúl Luis Vuitton? Difícilmente. Todo lo que ha representado lo más importante del mundo al menos para su dueño. Sin lugar a dudas fue la sensibilidad de los artesanos de esta familia hacia las necesidades, no sólo de cada persona sino de cada época, lo que les ha dado el éxito. Y es así como podrán seguir haciendo de cada travesía, aventura y expedició, un viaje ligero.

Adriana Vera. 

Glosario de arte contemporáneo

Apropiation art: 
El apropiation art extrae objetos, imágenes y textos de su contextos cultural y los traslada, sin modificarlos a otro. De este modo adquieren un nuevo significado.

Arte autorrefere: 
Arte que se remite, exclusivamente a sus propiedades formales, por lo que rechaza cualquier carácter de reproducción.

Arte conceptual: 
El arte conceptual surge en los años sesenta y concede el papel predominante a la idea por la cual los ilustran o traducen. Frecuentemente, esta idea se presenta sólo con textos o anotaciones; la traducción concreta al objeto se considera como algo secundario e oncluso a veces se omite.

Arte contextual: 
El arte contextual critica el negocio del arte y sus instituciones: revela estructuras de poder y pregunta por la función política de los mecanismos de distribución y de las formas de exposición. Para exponer esa crítica se emplean diferentes medios de expresión artística: performance, instalación o arte de objetos.

Arte digital: 
Arte con los recursos que ofrecen los nuevos medios como ordenador o internet.

Arte interactivo: 
Obras de arte que cuentan con la influencia inmediata del observador; en la mayoría de los casos, esa influencia se facilita con la ayuda del ordenador. 

Arte minimal: 
Corriente artística de los años sesenta, que redujo las estructuras y los cuadros a formas básicas claras y que las puso en una relación concreta el espacio y con el observador.

Arte objeto: 
Forma parte de éste todas las obras de arte que integran materiales ya existentes o que constan completamente de éstos.

Assemblage: 
Cuadro tridimensional de diferentes materiales, en la mayoría de los casos tomados de la vida diaria.

Autonomía: 
Estado es entera independencia. Para el arte, la autonomía exime de la necesidad de subordinarse a otros fines ajenos al arte.

Body art: 
Arte que trata el cuerpo humano, haciéndolo objeto de performance, esculturas o trabajos en video.

Camp: 
Las personas o los objetos cuya imagen está exageradamente estilizada son camp. Su admiración desemboca en un culto por lo artificioso, irónico y al mismo tiempo cargado de emoción.

Catálogo razonado: 
Catálogo comentado de las obras de un artista.

Cibachrome: 
Copia en papel, en color, de una diapositiva; en la mayoría de los casos, de grandes dimensiones.

Código: 
Sistema de signos que sirve de base para la comunicación y para transmitir información. 

Corrección política: 
Postura comprometida, especialmente influyente en EUA que pretende elevar lod estándares morales de la vida pública. Exige sobre todo un trato justo con las minorías sociales (discriminación positiva).

C-print: 
Un colour-print es la copia en papel, en color, de un negativo fotográfico.

Crossover: 
Con el crossover se traspasan los límites que existen entre el arte y el arte popular (y entre las diferentes culturas) al tiempo que se incluye la música, el diseño, el folclore, etc. en el trabajo artístico. 

Cultura popular: 
La cultura popular se expresa en la difusión en masa de bienes de todos los ámbitos de la cultura: de la moda, la música, deporte, del cine, etc. A comienzos de los años sesenta, la cultura popular hizo su entrada en el mundo del arte de la mano del arte pop.

Deconstrucción: 
La deconstrucción es una forma de interpretación que considera una obra de arte no como una unidad, sino como un tejido abierto y complejo compuesto por los más diversos elementos formales y materiales. En la deconstrucción se develan esos elementos, sus funciones y sus contraposiciones.

Eclecticismo: 
El método usual en la postmodernidad, que se caracteriza por citar extensamente estilos (históricos) y obras de otros autores.

Entropía: 
Este concepto originario de la termodinámica significa en ésta la medida del desorden de un sistema. La completa entropía se habría alcanzado cuando el sistema se hubiera disuelto en el caos. Analógicamente, la entropía es la medida de la incertidumbre existente en un mensaje. En este caso, el punto final sería un rumor sin significado.

Environment: 
Un espacio interior o exterior, diseñado completamente por el artista, que integra al observador en el acontecimiento estético.

Estereotipo: 
Imagen o idea aceptada comúnmente por un grupo o sociedad.

Estructuralismo: 
El estructuralismo analiza sistemáticamente el significado de los signos. El objeto del estructuralismo considera e interpreta las lenguas y otras manifestaciones culturales como sistemas de signos.

Estudios culturales: 
Nueva corriente en las ciencias culturales angloamericanas dedicada al estudio del arte popular. Concede especial atención a la influencia de la raza de la pertenencia a una clase y del sexo de la persona sobre las expresiones culturales.

Fenomenología: 
Movimiento filosófico que estudia cómo aparece la realidad exterior del hombre.

Ficción: 
Una imagen o una historia es una ficción cuando se basa en la libre invención.

Fotofija: 
Fotograma de un filme traspasado a una foto.

Gender surfing: 
Un juego desconcertante con los papeles de los sexos, que tiene como objetivo superar sus límites. 

Happening: 
Acción artística en presencia de público, que suele integrarse en ella.

Heterogeneidad: 
Contraposición incompatible.

Híbrido: 
De distinta naturaleza, mezclado, no clasificable inequívocamente.

Iconografía: 
Lenguaje pictórico o formal, típico de un determinado contexto cultural.

Iconología:
Ciencia que interpreta una obra de arte basándose en su iconografía.

Instalación: 
Una obra de arte que integra el espacio de exposición como componente estética.

Manga: 
Historietas y películas de dibujos animados, la literatura popular más extendida en Japón, que se produce y consume en grandes cantidades en dicho país.

Momento mori: 
Acontecimiento u objeto que remite a la muerte.

Mixed media: 
Mezcla de diferentes medios, materiales y técnicas en la producción de una obra de arte.

Montaje: 
Ajuste de elementos o secuencias gráficas en fotografía, cine y video.

Múltiple: 
En los años sesenta se desarrolló una postura crítica respecto al concepto clásico de la obra de arte: en lugar de un único original se produjeron obras de arte con una tirada elevada, es decir, en forma de múltiples. De este modo se pretendía que el arte abandonara los museos y las galerías, a fin de que un mayor número de personas tuviera acceso a él.

Neo-geo: 
Tendencia en la pintura de los años ochenta, que opera de un modo extremadamente objetivo, con dibujos geométricos y composiciones de color.

New age: 
Movimiento esotérico que cree que en el comienzo de una nueva era. 

Op art: 
Movimiento artístico de los años sesenta; sus representantes experimentaron sobre el efecto visual de líneas, superficies y colores, componiendo dibujos que producen ilusiones ópticas. 

Performance:
Trabajo artístico que se presenta al público en forma de acción (teatral). Los primeros performance se celebraron en los años sesenta, en el seno del movimiento "Fluxus" que buscaba un concepto ampliad del arte. 

Photoshop: 
Programa de ordenador que permite transformar material gráfico.

Postestructuralismo: 
Mientras el estructuralismo considera un conjunto de datos com una estructura o sistema cerrado, el postestructuralismo piensa que los sistemas de signos son siempre dinámicos y abiertos al cambio.

Post human: 
Temática centrada en la influencia que ejercen sobre el cuerpo humano las nuevas tecnologías y la sociedad de los medios de comunicación.

Postmodernidad: 
A diferencia del proyecto moderno, la postmodernidad considera imposibles las grandes utopías. Acepta la realidad como una dimensión fragmentada y la identidad personal como una dimensión inestable, debido a una serie de factores culturales. La postmodernidad aboga por un juego irónico con la propia identidad y por una sociedad liberal.

Ready made: 
Es un objeto de uno común al que una mínima intervención del artista convierte en obra de arte. El concepto se remonta al artista Marcel Duchamp, quien presentó los primeros ready mades en 1913.

Realidad virtual: 
Mundo artificial creado en el ordenador. 

Representación: 
Imagen de una persona, de un objeto o de un estado que tan seductora consigue sustituir a la realidad.

Semántica: 
Estudio del significado de los signos lingüísticos.

Simulacro: 
Una ficción tan seductora que consigue sustituir a la realidad.

Transcendencia: 
En la filosofía y en la religión, la transcendencia es el concepto que declara lo que supera la percepción humana normal. En la experiencia extraordinaria de la transcendencia se traspasan los límites de la conciencia. 

Trash: 
Es la depreciación irónica de las normas estéticas y de la calidad.

Urbanismo: 
Reflexiones sobre las actividades y la convivencia en las ciudades.

White cube: 
Término empleado para referirse a la sala de exposiciones neutra, blanca, que en el arte moderno sustituye a anteriores formas de presentación ( por ejemplo, colgando las obras unas junto a otras sobre papeles pintados) El white cube desea facilitar la percepción concentrada y sin trabas de la obra de arte.