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martes, 31 de julio de 2012

Policromía del tiempo, Amparo Dávila

Tiempo blanco
vacío sin ti
contigo en la memoria
memoria que te inventa
y te recrea 

Tiempo azul
el sueño en que te sueño
la clara certeza
de hallar en ti
la tierra prometida

Tiempo verde
más allá de la esperanza
aguardo
la certeza de tu cuerpo 

Tiempo rojo
presiento tu cuerpo
y se derrama
un río de lava 
entre la sombra

Tiempo gris
nostalgia de tu voz
y tu mirada
ausente de tu ser
cae la tarde

Tiempo negro
lenta muerte 
un viento de puñales
se desata
al no saberte cierto 


Amparo Dávila 

La autoridad del color, Pantone o la sistematización del color

¿Cuantos tonos puede haber de un mismo color? ¿Cómo asegurarse de que el color al que se refiere un diseñador es el mismo del que está hablando un impresor o proveedor de telas? la respuesta es Pantone cuyo nombre significa "Todos los tonos". Este sistema fue creado por Lawrence Herbert quien comenzó a trabajar en una pequeña imprenta que realizaba tarjetas de color para la industria cosmética en 1956. A los pocos años en 1963, compró la empresa y creó un sistema innovador para hacer más preciso el uso del color en las industrias gráficas.
Lawrence Herbert tuvo la intuición de que cada individuo ve e interpreta de manera diferente cada tono del espectro luminoso, por o que diseñó el Pantone Matching System, un catálogo de estandarización de colores en formato de abanico.
Aunque este sistema nació por las necesidades de las artes gráficas, hoy en día su influencia se ha extendido hacia otras industrias en las que es de suma importancia el uso de colores precisos, como la tecnología digital, la moda, la arquitectura y el diseño de interiores.

En la actualidad el Pantone Matching System es la referencia internacional para elegir, especificar, igualar y controlar colores. Al referirse a un color por su número, se evitan confusiones en toda la cadena que va del diseñador al fabricante y del distribuidor al consumidor, en un amplio rango de industrias. El sistema Pantone ha tenido usos tan variados como proporcionar la definición exacta del color para la bandera de Japón o la del Reino Unido, definir el color de los mosaicos en la renovación de la Básilica de San Marcos en Venecia, o medir el color y calidad de algunas piedras preciosas. Pero su uso más innovador está en el campo de la salud, Pantone ha desarrollado tarjetas de color para identificar el contenido de grasa de un hígado antes de un transplante, lo que ayuda a reducir la tasa de rechazo del órgano. El encargo más extraño que Herbert ha recibido fue de un criador japonés de peces Koi para catalogar el color de diversos especímenes de estos apreciados animales.

Además existen marcas cuya imagen está tan ligada a un color, que solo con verlo sabemos de quién se trata, aunque no veamos el logotipo o el nombre.
El azul de Tiffany & Co, la firma joyera neoyorkina, es inconfundible. De hecho, este color está patentado por la compañía y recibe el nombre coloquial de "Tiffany blue". Correspondiente al número Pantone PMS 1837, en recuerdo del año en que se fundo Tiffany. Como es un color de uso privado, no aparece en el catálogo de Pantone.
Cuando se inició en el mundo de la moda, Valentino quedó impresionado por el uso del color rojo en la moda española, por lo que lo convirtió en su color emblemático, tanto que fue bautizado como "Valentino red". Sin embargo, en el desfile del final de su carrera ocurrió algo inesperado: cerró con un vestido color rosa.

Las torres de Satélite

Las Torres de Satélite fueron construidas por los arquitectos Luis Barragán y Mathías Goeritz, quienes además contaron con la colaboración del pintor Jesús (Chucho) Reyes Ferreira a mediados del siglo XX.
Las cinco esculturas en forma de prismas miden 52 metros, la mayor y 30 la menor, fueron creadas en 1957 e inauguradas en marzo de 1958.  Ubicadas en una glorieta en medio de una de las vialidades más transitadas de la zona norte del Edomex , fueron levantadas durante la postguerra, siendo un icono de la vanguardia en la arquitectura mexicana a nivel internacional.
Este símbolo de la creciente urbanización en el Estado de México fue una manera de dar la bienvenida a esta nueva zona al norte de la ciudad, de aquel entonces.
En un principio la pieza arquitectónica, representante de la naciente Ciudad Satélite, fue propuesta con siete pilares con una altura máxima de 200 metros, sin embargo, debido a un recorte presupuestal fue reducida a las cinco, representando una enorme mano, que actualmente se pueden observar con un poco del estilo del Bauhaus debido a la formación de Goeritz.

Esta obra, que recién cumplió 50 años, fue remozada hace poco con una ayuda de 10 millones de pesos, donados por diversas empresas, luego de que se habían quedado en el olvido, ya que se veían pintas en éstas, además de estar decoloridas, con varillas a la vista y con una iluminación improvisada.

Las Torres han sufrido diversas modificaciones en sus colores:
Los colores originales, como ha podido corroborarse mediante fotografías de la época, fueron blanco, amarillo y ocre, de acuerdo a la inspiración que sus creadores encontraron en las torres de San Gimigniano (Busquen en google).
Con motivo de las olimpiadas de 1968 fueron pintadas por idea de Mathias Goeritz con color anaranjado para contrastar con el azul del cielo.
En 1989 fueron pintadas con sus colores actuales y con las que fueron ideadas originalmente por el arquitecto Luis Barragán las cuales consta de los colores primario más el blanco.




Los colores de Frida Kahlo



Según el imaginario de Frida, en su diario describe su propia gama de colores.

  • Verde: Luz tibia y buena.
  • Solferino: Azteca tlapalli, vieja sangre de tuna, el más viejo y antiguo.
  • Café: Color del mole, de hoja que se va. Tierra.
  • Amarillo: Locura, enfermedad, miedo. Parte del sol y de la alegría.
  • Azul cobalto: Electricidad y pureza, amor.
  • Negro: Nada es negro.
  • Verde hoja: Hojas tristes, ciencia, Alemania entera es de este color. 
  • Amarillo verdoso: Más locura y misterio, todos los fantasmas usan trajes de este color, o cuando menos ropa interior.
  • Verde oscuro: Color de anuncios malos y de buenos negocios.
  • Azul marino: Distancia, también la ternura puede ser de este azul.
  • Magenta: ¿sangre? pues ¡quien sabe!


"Paleta de color" Frida Kahlo

jueves, 19 de julio de 2012

Tipografía artesanal, introducción.



Mucho antes que existiera el ordenador, los artistas y artesanos usaban un instrumento muy complejo para crear sus letras: sus manos, fueron la primer herramienta de rotulación para dibujar, tallar y grabar letras con todo tipo de formas y tamaños (letras muy precisas porque el tiempo, la tecnología y la economía así lo exigía). Aun teniendo en cuenta algunas de las letras más hermosas jamás ideadas, lo que pone de relieve la paradoja de que, tras siglos de progreso, con las nuevas tecnologías, hemos ganado pero también perdido algo. El ordenador nos ahorra las tareas más costosas y hace posible una precisión cada vez mayor, pero también ha atrofiado el instinto necesario para crear una escritura a mano hermosa y maravillosamente incorrecta.

En la década de los noventas, los diseñadores tradicionales tuvieron que aceptar las consecuencias de los nuevos medios de comunicación digitales. Entonces ya era posible realizar atrevidos experimentos tipográficos que desafiaban toda legibilidad. Se hicieron nuevas versiones de los antiguos caracteres de imprenta para adaptarlos a los nuevos modelos digitales y se crearon otros que desvelaron sorprendentes caprichos y rarezas programáticos. En aras de la libertad de expresión, se abandonaron los principios que determinaban la belleza de la tipografía. En los años noventa las distintas tipografías se hicieron casi tan populares como la música pop y pasaron a formar parte del inconsciente de los lectores. Cualquier artista o diseñador que tuviera el software adecuado podía crear y distribuir alfabetos y tipos de letras únicos, porque los ordenadores personales introdujeron la tipografía en casa. Los tipos dejaron de pertenecer al mundo de los habilidosos artesanos, aunque esa situación produjo una reacción importante: una gran variedad de escrituras a mano ingeniosas y artísticas.

A lo largo de la historia del diseño gráfico moderno, la escritura a mano ha sido la herramienta más utilizada pues, aunque sea la más rápida o precisa, es la que contiene mayor carga emotiva. La relación con directa de la mano con el papel (o la madera, la piedra o tela) la convierte en le medio más eficaz para conseguir una comunicación fluida. Sin embargo, los estilos cambian conforme avanza la técnica y a principios del siglo XX la implantación masiva de máquinas de composición tipográfica alteró la definición y amplió los parámetros del arte y el diseño. Cuando el maestro tipográfico de la Bauhaus, László Moholy-Nagy, se pronunció a favor de "un arte mecánico para tiempos mecánicos" estaba afirmando que el pasado ya no regía en la era moderna y que todos los aspectos del arte y el diseño debían transformarse para adaptarse a los nuevos paradigmas.

Los avances tecnológicos han tenido un gran impacto sobre el diseño gráfico durante todo el siglo XX. La fotografía, el fotomontaje y otras técnicas mecánicas remplazaron en mayor o menor medida al dibujo y la pintura. Los tipos de letras se volvieron más geométricos y su forma aerodinámica que denotaba velocidad y movimiento, hizo que los estilos caligráficos sobrios quedaran anticuados. En la década de los cuarenta, la llegada y adopción de la retícula como armazón como armazón imprescindible en el diseño, supuso la sustitución del eclecticismo por el racionalismo.

Las características que diferencian la composición tipográfica de la escritura a mano son que la primera es oficial y mecánica mientras que la segunda es informal y expresiva. El uso de la mano alzada hizo su reaparición en la década de los ochenta que tanto en la actualidad se inspiraban en el pasado.  Conocer la historia tipográfica ayuda a entender el gran legado de la escritura a mano y a comprender que es algo esencial para el diseño gráfico.

martes, 10 de julio de 2012

Categorías de los estilos 5. Funcionalidad



Funcionalidad

Este estilo trata una metodología de diseño íntimamente ligada a consideraciones económicas y a la regla de utilidad. El advenimiento de la revolución industrial y el desarrollo tecnológico han unido la filosofía de los medios simples a la capacidad natural de la maquina, aunque esos medios simples hayan estado siempre a disposición de la manufactura. 
La diferencia fundamental entre otras aproximaciones estilístico-visuales y el estilo funcional es la búsqueda de belleza en las cualidades temáticas y expresivas de la estructura subyacente básicas que hay en cualquier obra visual.
Su finalidad es alcanzar nuevas formas y nuevas soluciones para las necesidades básicas del hombre, sin olvidar sus necesidades especificas. Retomar los fundamentos, materiales básicos y las reglas básicas del diseño. Se atreve a formular nuevas definiciones de la belleza dentro de los aspectos prácticos y no adornados de lo funcional.

Funcionalidad:
Simplicidad
Simetria
Angularidad
Abstracción
Coherencia
Secuencialidad
Unidad
Organización
Economía
Sutilidad
Continuidad
Regularidad
Aguzamiento
Monocromaticidad

Categorías planteadas por la diseñadora Donis A. Dondis.

lunes, 9 de julio de 2012

Categorías de los estilos 4, Embellecido.



Embellecido 

El estilo embellecido es el que insiste en suavizar las aristas con técnicas visuales discursivas que produzcan efectos cálidos y elegantes. Este estilo no sólo es rico en sí mismo por la complejidad de su diseño, sino que además va asociado a la riqueza y el poder.
Los efectos grandilocuentes que a veces produce, constituyen un abandono de la realidad en favor de una decoración teatral, de un mundo de fantasía. En otras palabras, la naturaleza de este estilo suele ser florida y recargada, un marco perfecto para emperadores y reyes que viven sin preocupaciones, aparte de sus propios placeres. Son numerosos los periodos y escuelas de arte y diseño que es posible agrupar bajo este encabezamiento general: art nouveau, estilo victoriano, romano tardío, barroco... en todos los casos los diseños son típicamente grandiosos, con una decoración superficial inacabable.
La escuela más representativa de las características de este estilo es el barroco, este periodo actuó de puente entre el renacimiento y la época moderna, el carácter lujuriante del barroco parece ciertamente guardar poca relación con la época victoriana, pese a lo cual ambos estilos entran dentro de la misma categoría aunque las fuentes de su embellecimiento son distintas.
En un caso, la decoración sin freno era el gesto simbólico del poder y la gloria. En cambio, para los victorianos, constituía algo más que una orgía de retortijones decorativos.

Embellecido:
Complejidad
Profusión
Exageración
Redondez
Audacia
Detallismo
Variedad
Colorismo
Actividad
Diversidad
Opulencia  

Categorías planteadas por la diseñadora Donis A. Dondis.

jueves, 5 de julio de 2012

Categorías de los estilos 3, Clasicismo.



Clasicismo

El emotivismo del expresionismo forma un contraste directo con la racionalidad de la metodología de diseño. Típica del arte griego y romano, que produjo el estilo visual prototípico del clasicismo. En su lugar, está influido por un amor a la naturaleza, idealizada por los griegos hasta alcanzar el grado de una superrealidad. Los griegos buscaban la verdad pura en su filosofía y su ciencia, y aquí está la segunda fuente del estilo clásico. Formalizaban su arte recurriendo a las matemáticas, desarrollando una fórmula que guiase sus decisiones de diseño y a la que dieron el nombre de sección aúrea.
La elegancia visual que perseguían estaba vinculada a este sistema, pero la rigidez propia del mismo era enaltecida por una ejecución perfecta y mitigada por los cálidos efectos de la decoración escultórica, pictórica y de los artefactos que realzaban la infraestructura subyacente de su fórmula. Los griego buscaban la belleza en la realidad. Glorificaban al hombre y a su entorno natural. Acariciaban el pensamiento. sus esfuerzos produjeron un estilo visual racional y lógico en el arte y el diseño. Al igual que la cultura grecorromana , el renacimiento marcó una de las grandes divisorias en las ideas artísticas, fue una época de grandes genios.

Clasicismo:
Armonía
Simplicidad
Representación
Simetria
Convencionalismo
Organización
Dimensionalidad
Coherencia
Pasividad
Unidad

Categorías planteadas por la diseñadora Donis A. Dondis.

martes, 3 de julio de 2012

Categorías de los estilos 2, Expresionismo.



El Expresionismo

El expresionismo usa la exageración deliberadamente para distorsionar la realidad. Es un estilo que pretende provocar la emoción, sea religiosa o intelectual. Hunde parcialmente sus raíces en el primer conflicto cristiano entre el iconoclasta y el defensor de las imágenes.
Al principio, el cristianismo fue una religión muy influida por la prohibición hebraíca de la doración a las imágenes que se asociaban a los falsos dioses. Se llegó después a una solución de compromiso mediante la abstracción de la realidad, que pese a ello seguía siendo reconocible.
La distorsión, el énfasis en la emoción, hacen del arte bizantino un ejemplo típico de estilo expresionista. Este estilo se alza siempre por encima de lo racial hasta llegar a lo místico, a una visión interior de la realidad, cargada de pasión y de intensos sentimientos.
El expresionismo ha dominado siempre la obra de artistas individuales cuya expresión se caracterizaba por una gran espiritualidad y la intensidad de sentimientos. Por ejemplo, la Edad Media produjo uno de los más grande ejemplos de este estilo, el gótico.
El estilo expresionista, sea en su versión gótica, bizantina o en el trabajo de artistas individuales se da siempre que el artista o el diseñador desee evocar una respuesta emotiva máxima en el observador.

Expresionismo:
Exageración
Espontaneidad
Actividad
Complejidad
Distorsión
Irregularidad
Experimentalismo
Verticalidad 

Categorías planteadas por la diseñadora Donis A. Dondis.